敦煌石窟艺术馆传习书院，是一个集办学综合性系科，设有美术教育、设计教育、公共艺术教育、综合艺术、水彩画、室内外空间拓展设计、平面设计等......拥有自主研发的品牌课程《创造力进阶课程》体系，首创科学系统的教学架构，多元化的艺术拓展系统，宽泛媒体发表平台；“打造教育信息垂直门户”基础定位，让艺术融入生活，融入思维，融入灵魂！为美术教育提供教育信息化、资源获取与共享平台服务......

没有奇迹，只有你努力的轨迹；

没有运气，只有你坚持的勇气。每一份收获，都是你坚持不懈的努力；每一份汗水，都是你成功的累积！

人生难免要受些委屈和伤害，与其耿耿于怀郁郁寡欢，倒不如坦坦荡荡泰然处之。只有经受住狂风暴雨的洗礼，才能练就波澜不惊的淡定。

——专业专注！真诚合作！携手共进！

好久没做步骤了，主要是觉得自己这半桶水的水平，怕不小心把大家给带歪，但是想一想，自己刚刚学画的时候总是不知道该怎么画，怎么做，就想有人稍稍指点一下，所以还是把步骤图放上来，大家批判地看待吧。其实我觉得，画画没有什么标准，用你喜欢的颜色，用你喜欢的方式，只要去画就好。在这里无非是和大家分享一下我自己的绘画步骤，大家完全可以不必照搬，当然如果能够帮助你一些，我就已经非常开心啦。
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风景水粉画练习，过程分解步骤图一看就秒懂哦！
有山有路有石头和小树，就是没有水，但意境很好。特别喜欢橘色的树，非常的亮眼。

临摹练习，山间的路

材料：

1.纸：宝虹300g粗纹棉浆纸（建议中粗纹）

2.笔：达芬奇、秀意、0.3自动铅笔、彩铅

3.颜料：马利水粉画颜料18色

画（简笔）山水风景画，不用画得太细致，大致勾勒出元素形状就可以了。近景是大石头，远景是山，中景是山上的树，简单明了。
线稿：一般用绘图铅笔简单勾形，然后再用铅笔描绘，这样可以保特画面干净（不过一定要养成画草稿的习惯，人物造型和构图都需要反复推敲，所以在没构思清楚前最好不要直接在水彩纸上画，反复在水彩纸上修改会让画面看起来脏脏的，也会伤害水彩纸的表层）。

开始上色，远山用草绿+赭石。留出亮部平涂，用一支沾清水的笔轻轻晕开。趁湿在山的（根部）混入熟褐色。画近景的石头，先铺橘色加棕色，后压黑色。

画上树干树叶颜色点缀。根据树的不同颜色，调出深一点的颜色平铺，浅色区域先留白。趁还没干，将颜色混入刚才留白的区域，让它自然晕开。

在上面几个步骤完成之后，等画面干了，这个时候会发现颜色变得比画的时候浅很多，我会重复上面的两个步骤，不要怕麻烦，一遍到位的颜色饱和度是够的，但是会少很多细节，不耐看~ 

用钛白画上树干树枝和花草点缀，完善细节，增加画面层次感，最后完成。

水彩画：一个芭蕾女孩，详细分解步骤

先用铅笔打底起稿，注意人物的形态，要有压下去的感觉。
构图中的变化与统一，也可以称为对比与谐调。因为在绘画中，总是通过对比来追求变化，通过谐调来获得统一的。在画面中如果忽视这一构图法则，失去变化统一的效果，其表达的主题就不会生动，也不可能获得最完满的形式美感。画面中的对比变化因素很多，包括视点、视平线的变化，位置重复与变异的变化，形的对比变化（如方与圆、单薄的形与饱满浑厚的形等）。形体与空间大小的对比变化（画幅中形体小，显得空间大；形体大，显得空间小）。明暗的对比变化。色彩的对比变化（如色相、明度、纯度、冷暖等色要素的对比）。线的性质的对比变化（水平线与垂直线、平行线、垂直平行曲线、斜线等）。

用茜红和柠檬黄调肤色，铺底色，注意留出反光区域。

素描与色彩是美术教学的两门重要基础课。在学习时，应是先学素描，后学色彩；从易到难，循序渐进；也可分阶段交错进行。学习素描的主要任务是提高对形体的观察理解能力和掌握用线和明暗调子表现对象形体结构、立体空间等的技能；色彩的基本学习要求，除了要用色彩来完成素描的任务外，还必须了解形成色彩个性的色相、明度、纯度、冷暖诸要素，按其独特的观察方法去认识色彩现象。在写生实践中，通过颜色调配和使用，提高感受色彩美的能力，并掌握对比谐调、变化统一的色彩规律和表现技能。 

用生褐、范戴克棕、沙普绿调出上衣的颜色，用熟赭+柠檬黄铺头发的底色，皮肤深色的地方加一点土红，皮肤暗部地方用范戴克棕+深紫调色，裙子用浅浅的范戴克棕，亮的地方加一些淡粉，暗的地方加一些蓝色和沙普绿，都是很淡的色，注意留白，这里把头部加大了一圈。

细节刻画，注意头发处的留白，或者最后用白颜料勾一下。皮肤用白色加点大红调到最淡的时候上色，加深皮肤的明暗对比，可以加点紫色和淡蓝色，做明暗和层次关系。
素描是色彩画的基础，开始学习色彩时，往往容易产生两种弊病：一是只着眼于素描的明暗关系，在表现对象时，只是发挥色彩明度变化这一要素；二是受长期形成的固有色概念的束缚，在观察色彩时，忽视物体由于光线与环境影响而产生的复杂色彩变化现象。因此，在色彩写生学习的开始阶段，不必过分要求素描关系的正确，而重点应放在对固有色、环境色上的认识。环境色是绘画色彩写生的一个中心问题。素描与色彩关系需要在不断实践过程中逐步得到统一与提高。

刻画裙子的细节和阴影，颜色要稍微有点变化。注意明暗的对比，还有高光的处理。最后可以用点深紫色和褐色加深头发的暗部。
当我们用审美的意识，去观察生活周围的环境或欣赏大自然美景时，一定会受到景色的情调、气氛、意境的感染，以至留下难忘的印象。如用色彩把这个印象凭记忆默写下来，就是一幅色彩记忆画。这与色彩速写有类似的要求与意义，不同之处在于：速写在现场完成，默写在事后完成；速写着重训练敏锐的观察力，默写着重培养对色彩现象的记忆力；速写重感性，默写则偏理性。记忆画也能起到创作想像的作用，记忆画的进一步发展，就逐渐向想像画与创作过渡。

用范戴克棕，沙普绿铺底色，右下角再加点深褐色，底色不要铺得太均匀。
如容易出现的"脏、灰、粉、生"等毛病。对于初学者，都是难解决的。产生这些现象的原因，有技法问题，同时也有观察方法的问题，主要问题多是由于作画者对客观对象所产生的色彩现象缺乏一定的理解。

水粉画的概念
水粉画是使用水调合粉质颜料绘制而成的一种画。它的色彩可以在画面上产生艳丽、柔润、明亮、浑厚等艺术效果。
水粉画的性质和技法，与油画和水彩画有着紧密的联系。它与水彩画一样都使用水溶性颜料，如用不透明的水粉颜料以较多的水分调配时，也会产生不同程度的水彩效果，但在水色的活动性与透明性方面，则无法与水彩画相比拟。含粉意味着对水色流畅的活动性产生限制的作用。因此，水粉画一般并不使用多水分调色的方法，而采用白粉色调节色彩的明度，以厚画的方法来显示自己独特的色彩效果。这一点近似于油画的绘制方法。因为不透明的水粉颜料与油画颜料都是具有遮盖力的颜料，所以水粉画是介于水彩画与油画之间的一个画种，它是通过吸取水彩画与油画的某些方法与技巧而发展形成自己的技法体的。

水粉画的产生与发展
水粉画的起源很早，这可从使用水溶性颜料作画的中外古代石窟、墓窟、寺院壁画中得到佐证。如我国北魏时期的敦煌石窟壁画，西晋南北朝时期的新疆地区石窟中的佛教美术，六朝永乐宫壁画和历代工笔重彩画，以及古代院体画与民间绘画等等，都是使用水溶性粉质颜料绘制而成的。古罗马地下墓室中的壁画，也大多是使用胶或蛋清调合颜料粉绘制而成的胶粉画。意大利文艺复兴时期的美术大师们手下的壁画原作，在后来修补过程中经专家考证发现，有的也是使用胶粉颜料绘制的。这些古今中外早已出现的使用粉质水溶性颜料的绘画作品，都具有了水粉画的基本艺术特点，这说明水粉画颜料的产生与使用的历史非常悠久。这类古代水粉画，虽然使用的颜料品种有限，作画的工具与方法也与现代水粉画有所不同，但对现代水粉画的提高与发展，不无研究与借鉴的意义。

水粉画的性能特点和应用
水粉画的最主要特点是颜料的含粉性质和不透明性，水粉颜料容易被水溶解，是一种覆盖力较强的、且有粘着性的不透明颜料。也就是说，水粉颜料色层能够紧密盖住底子和下面的色层，而且水粉颜色干透以后非常结实，表面呈现出无光泽的天鹅绒般的特有美感。
由于水粉颜色含有一定分量的白粉，使色彩干湿之间有明显的差别，即湿时色彩较暗，干后白粉色浮现在表面，明度比湿时要强，而色彩鲜明度减弱。这一状况，使水粉画在制作中掌握色彩干湿变化时增加了难度。画家只有在实践中，逐步积累经验，才能取得预期的效果。
水粉画使用的工具、材料和操作都比较简单，画幅的不同尺寸，画风的粗放或精细，描绘的具体或概括都能适应。它的应用范围十分广泛，画家外出写生、收集生活素材、绘制色彩画创作初稿等都非常方便合适。由于水粉色的色块可以画得非常均匀、柔润和明确，很适宜表现单纯、概括、鲜明强烈的画面效果。美术家们因此常常选用它绘制各种装饰风格的绘画。另外，水粉也同样适宜于绘制平画广告、招贴宣传画、图案设计、建筑设计效果图、舞台美术设计图等等。

水彩教程 树木的分解教程

一、树木在风景画中的意义

在风景画中没有树的画较少。有的画以树木为主题，塑造千姿百态风度翩翩的树木;有的画幅描写春夏秋冬四季中的树木风貌;也有的画幅描写风晴雨雾中的树木;更有专题表现树木的根、干、叶的画幅。这些不外乎寄托作者的一种情感。然而，更多的树木在画幅中则是作为一种衬托出现。 有的是衬托主体物;有的是作为构图的边框;还有的树木纯属点缀，调剂画面色调增加画面情趣，至于那些似是而非寥寥几笔的涂抹则属形式美方面的装饰趣味。因此，有不少树木在画幅中仅有几块颜色和大体外形，并无具体名称可以理解，不必深究。因为艺术品毕竟不是照片和植物学挂图。

二、树干

成年的树木其冠、叶、枝叉、干、根都较易识别，这是我们重点研究的对象。

中远景和次要树干画法，一是在浅背景上着深色画出;一是用空白的方法先画背景空出树干。树干的颜色用深浅两种颜色画出，不必过细刻划。近景树干或主体树干则应首先研究其结构特征、光线方向、固有色和环境色以及树干上下的不同色彩，然后确定是单独刻画还是用环境色调来衬托刻划。

着色步骤是先画亮部和反光，再画暗部和明暗交接线。树枝和叶子的投影都在亮部。如果是中景树干，应趁湿画出投影;如果是近景则应在干后再画。这种投影的色彩变化应以树干的结构为转移。

关于树干表面特征问题。粗糙的树干表面反光和高光都很弱，光滑的树于表面则应按一般规律来画 。

一种简 便的速写性画法是用笔中含有明暗两种颜色一次着 色画出，则出现有明暗变化的树干。如上图先画出有明暗的树干再用背景衬托。

三、树冠

树冠最能体现树的品种特征和感情色彩，尤其外形更有代表性。树冠的外形有圆球形、圆柱形、圆椎形和不规则的外形等。秋天落叶的树木又是些稀疏的外形和叶片。

在阳光下树冠都有一个大体明暗和局部明暗。亮部色彩淡而暖一般无高光;暗部反射环境色和天空颜色;下部反射地面色彩，或冷或暖要看具体情况。

着色前先把树冠大体分成明、中间、暗和反光四部分，然后用块面以并置的方法将颜色摆到画面上。这样你会看到界限分明的每一部分色块组成一个完整的树冠。这个方法有助于你将一个复杂的自然界中的树冠概括地表现出来。（如上图）

另一种方法是由明到暗用湿接的方法将几块大的颜色铺上画面。尤其中远景树冠的表现，这种方法会更好一些(如上图)

树冠的外形属于情感表露变化较多的部位，因此提醒你在作画时在用笔方面多多动脑，那些生动流畅的笔触往往给读者留下许多回味的余地。上图为秋叶画法的一种。

水彩画基本技法介绍

水彩画基础知识：水彩画基本技法介绍，简单的介绍了水彩画的四个影响因素——技法、水分、留空及笔法！看完本文，你又有什么样的领悟呢？

一、干画法和湿画法

干画法是一种多层画法。用层涂的方法在干的底色上着色，不求渗化效果，可以比较从容地一遍遍着色，较易掌握，适于初学者进行练习。表现肯定、明确的形体结构和丰富的色彩层次，是干画法的特长。

1、干画法可分层涂、罩色、接色、枯笔等具体方法。

层涂：

即干的重叠，在着色干后再涂色，一层层重叠颜色表现对象。在画面中涂色层数不一，有的地方一遍即可，有的地方需两遍三遍或更多一点，但不宜遍数过多，以免色彩灰脏失去透明感。层涂象有色下班重叠，事先预计透出底色的混合效果，这一点是不能忽略的。

罩色:

实际上也是一种干的重叠方法，罩色面积大一些，譬如画面中几块颜色不够统一，得用罩色的方法，蒙罩上一遍颜色使之统一。某一块色过暖，罩一层冷色改变其冷暖性质。所罩之色应以较鲜明色薄涂，一遍铺过，一般不要回笔，否则带起底色会把色彩搞脏。在着色的过程中和最后调整画面时，经常采用此法。

接色：

干的接色是在邻接的颜色干后从其旁涂色，色块之间不渗化，每块颜色本身也可以湿画，增加变化。这种方法的特点是表现的物体轮廓清晰、色彩明快。

枯笔：

笔头水少色多，运笔容易出现飞白;用水比较饱满在粗纹纸上快画，也会产生飞白。表现闪光或柔中见刚等效果常常采用枯笔的方法。

干画法不能只在“干”字方面作文章，画面仍须让人感到水分饱满、水渍湿痕，避免干涩枯燥的毛病。

2、湿画法可分湿的重叠和湿的接色两种湿的重叠：

将画纸浸湿或部分刷湿，末干时着色和着色末干时重叠颜色。水分，时间掌握得当，效果自然而圆润。表现雨雾气氛、湿润水汪的情趣是其特长，为某些画种所不及。

湿的接色：

邻近末干时接色，水色流渗，交界模糊，表现过渡柔和色彩的渐变多用此法。接色时水分便函用要均匀，否则，水多向少处冲流，易产生不必要的水渍。

画水彩大都有干画、湿画结合进行，湿画为主的画面局部采用干画，干画为主的画面也有湿画的部分，干湿结合，表现充分，浓淡枯润，妙趣横生。

2、水分的掌握

水分的运用和掌握是水彩技法的要点之一。水分在画面上有渗化、流动、蒸发的特性，画水彩要熟悉“水性”。充 分发挥水的作用，是画好水彩画的重要因素。

掌握水分应注意时间、空气的干湿度和画纸的吸水程度。

时间问题：

进行湿画时间要掌握得恰如其分，叠色太早太湿易失去应有的形体，太晚底色将干，水色不易渗化，衔接生硬。一般在重叠颜色时，笔头含水宜少，含色要多，便于把握形体，以可使之渗化。如果重叠之色较淡时，要等底色稍干再画。

空气的干湿度:

画几张水彩就能体会到，在室内水分干得较慢，在室外潮湿的雨雾天气作画，水分蒸发更慢。在这种情况下，作画用水宜少;在干燥的气候情况下水分蒸发快，必须多用水，同时加快调色的作画的速度。

画纸的吸水程度：

要根据纸的吸水快慢相应掌握用水的多少，吸水慢时用水可少，纸质松软吸水较快，用水需增加。另外，大面积渲染晕色用水宜多，如色块较大的天空、地面和静物、人物的背景，用水饱满为宜;描写局部和细节用水适当减少。

三、“留空”的方法

与油画、水粉画的技法相比，水彩技法最突出的特点就是“留空”的方法。一些浅亮色、白色部分，需在画深一些的色彩时“留空”出来。水彩颜料的透明特性决定了这一作画技法，浅色不能覆盖深色，不象水粉和油画那样可以覆盖，依靠淡色和白粉提亮。在欣赏水彩作品时留意一下，会发现几乎每一幅都运用了“留空”的技法。

恰当而准确地空白或宛浅亮色，会加强画面的生动性与表现力;相反，不适当地乱留空，易造成画面琐碎花乱现象。着色之前把要留空之处用铅笔轻轻标出，关键的细节，即或是很小的点和面，都要在涂色时巧妙留出。另外，凡对比色邻接，要空出对方，分别着色，以保持各自的鲜明度。有的初学者把不必要的空的形状空了出来，然后顺沿轮廓涂描颜色，还有的把该空的地方顺沿轮廓空得很死、太刻板，失去生动感。空的既准确又生动，是技巧熟练的体现。在实践中反复练习，就会熟能生巧。

四、笔法

笔法即用笔的方法。用笔与用水、用色是紧密相关的，作画时每一笔均含水与色，或水多色少，或色多水少，或水色适中。笔在纸上运动会出现笔痕，就是我们通常所说的“笔触”从笔触可以看出作画时的笔法。画纸的粗细，画笔的硬软，运笔的快慢，根据物体的结构，笔法变化多端，有点有线，刚柔渴润，从表现物象的形与色出发，恰当地用笔增强塑造性和画面生动性。

水彩画面积较大的涂色，水分的渗化将笔触隐没，趁湿重置色彩笔触感觉含蓄，较干时作画，笔触清晰可见。着色过程中一刻也离不开用笔，越是接近完成用笔越重要，其笔触不再被覆盖，暴露无遗地展现给欣赏者。